신인류 패션

le vermillon

‘르 베흐미옹’을 소개해주기 바란다. 2017년 4월 론칭 후 매 시즌 컬렉션을 소개하고 있다. 르 베흐미옹, 즉 다홍색은 내게 초심을 의미한다. 다른 사람과 공유할 수 없는 사적인 이유에서다. 그리고 여러 나라 언어 중 다홍색을 프랑스어로 발음했을 때 가장 모호한 느낌이어서 마음에 들었다. 르 베흐미옹의 컬렉션이 특정한 장르로 구별되길 원치 않은 내 의도가 담겨 있다.

르 베흐미옹 컬렉션은 동양적인 느낌이 강렬하게 전해진다. 왜 오리엔탈 무드에 매료됐는지 궁금하다. 잘 모르겠다. 한국에서 태어나 일본에서 공부했기 때문일 까? 동양적인 것에 집중했다기보다 그저 내가 할 줄 아 는 것을 했을 뿐이다. 정적이고 집요한 성향이라 나와 거리가 먼 것에는 호기심을 못 느끼고 가까운 것을 들여다보는 편이다.

일본에서 공부한 이력이 컬렉션에 어떤 영향을 끼쳤다고 생각하나? 내가 공부한 학교는 기본기에 충실한 곳이다. 디자인은 가르치지 않고 기술적인 부분을 수업 했다. 디자인은 각자의 몫이고, 스스로 책임지라는 학교의 철학이 몸에 밴 덕분에 지금도 샘플을 대부분 직접 만들고 있다. 가장 다행스러운 건 디자인을 두고 옳고 그름을 판단하지 않는 교육을 받았다는 사실이다.

컬렉션에서 가장 중요하게 생각하는 것이 있다면? 무드. 느낌이나 기분처럼 설명하기 어려운 분위기를 형 태가 있는 것으로 구현하는 데 의미를 두고 있다. 그 영향인지 매 시즌 룩 북이 아주 인상적이다. 패션 영상이나 쇼까지 모두 무척 독창적이라는 느낌을 받았다. 대체로 시즌 컨셉트에 스토리가 있는 편이다. 그래 서 비주얼 작업을 통해 내가 하고자 하는 이야기를 전달하고 싶다. 사진가 백도현과 주로 작업하는데 함께 이야기를 나누며 아이디어를 공유한다.

모델 선정도 흥미롭다. 일반인이나 아티스트를 브랜드의 얼굴로 내세웠다. 항상 섹시하고 유머러스한 기운을 가진 사람을 찾는다. 어렵게 설득한 사람도 많고, 이 사람들에게는 익숙한 일이 아닐 텐데 브랜드를 위해 함께해주는 것이 내게는 기적 같다.

2018 F/W 시즌 쇼가 특히 기억에 남는다. 어떻게 기획한 쇼인가? 경양식 돈가스를 먹으러 종로에 간 일이 계기가 됐다. 운명처럼 쇼를 해야만 하는 공간을 만난 것이다. 르 베흐미옹의 옷을 입은 여인들이 지하 세계로 사람들을 초대하는 상상이 뿌리가 되어 생각의 가지가 뻗어나갔다. 그 덕분에 초현실적인 분위기에서 컬렉션을 소개할 수 있었다. 2020 S/S 시즌의 ‘Les Femmes’ 컬렉션에 대해 소개해주기 바란다. 가벼운 허영과 유희가 느껴지는 디자인을 떠올렸고, 입체와 평면을 오가며 구현하는 방식에 집중했다. 이를테면 드레스 위에 체인으로 가슴의 곡선을 표현하거나 음영이 강조되는 원단으로 몸의 실루엣을 드러내고 감추는 것처럼. 무엇보다 ‘입었을 때 기분 이 좋을 것’이 중요한 화두였다. 촉감, 실루엣, 컬러, 무게 등 모든 부분에서 말이다.

르 베흐미옹의 옷은 어디에서 구입할 수 있나? 이메일(levermillon9@gmail.com)로 예약한 후 연남동 쇼 룸에서 구입할 수 있다. 방문이 어려운 경우에는 메일로 주문할 수 있다.

 

jinjonjam

브랜드 이름이 유니크하다. 어떻게 탄생한 이름인가? 브랜드 소개도 부탁한다. 가볍고 단순한 이름을 원 다. 내 한국 이름 류경진의 진, 미국에서 초등학교 다 닐 때 이름인 존, 영국 유학 당시의 별명 잼, 이 세 가지를 합쳐서 ‘진존잼’이 됐다.

센트럴 세인트 마틴 졸업 작품 쇼에 올린 컬렉션으로 브랜드를 시작한 것으로 알고 있다. 졸업 작품이 아이디어를 강조했다면, 첫 컬렉션은 퀄리티에 집중 했다.

첫 컬렉션을 소개해주기 바란다. 센트럴 세인트 마틴에 다닐 당시 좋아하는 사진집을 스캔하다 실수로 책이 미끄러져 독특하게 구불거리는 이미지가 나왔다. 여기서 아이디어를 얻어 실수를 미적으로 표현하고자 했다. 이렇게 가볍고 재미있는 것들도 쌓이면 무게감 있는 결과물을 얻을 수 있다고 생각한다.

진존잼이 궁극적으로 추구하는 미감은 무엇인가? 재미. 아이템 곳곳에 재미있는 요소를 담고 있다. 재킷 안감에 프린트를 하거나 코트 밑단에 꼬불꼬불한 파이핑 디테일을 더하거나 한 입 먹고 찍은 아기 곰 모양 샌드위치와 음식 찌꺼기 같은 이미지를 프린트 하는 것처럼 말이다. 어설프게 남겨지거나 실수로 탄생한 것들에서 아름다움을 찾고 있다.

2020 F/W 컬렉션 무드 보드에는 어떤 이미지가 자 리하고 있나? 한복 입은 할머니, 직접 만든 도자기, 남 은 음식, 인형 꽁이와 키키. 네온 자카드 원단을 중심으로 다양한 색과 강렬한 프린트가 돋보이는 얇은 노방 소재 드레스를 디자인했다.

인스타그램에 올라온 케이터링 서비스를 시작했다는 게시물이 호기심을 자극한다. 취미로 요리를 해오던 중 주얼리 브랜드 지예신의 론칭 쇼케이스 케이터링을 맡게 됐다. 이를 기점으로 케이터링 서비스를 시작했고, 카페나 레스토랑의 메뉴 개발을 컨설팅하고 있다.

앞으로 또 다른 계획이 있는지 궁금하다. 진존잼이라 면 뭔가 재미있는 계획이 있을 것 같다. 앞서 언급한 푸드 컨설팅과 투어 의상을 제작 의뢰가 들어오고 있다. 일단은 쓰다만 책을 완성하는 것이 목표다. 톡 쏘는 맛 이 느껴지는 진존잼으로 기억되고 싶다.

 

The Museum Visitor

더 뮤지엄 비지터라는 브랜드 이름에서 예술적 감성이 묻어난다. 2016년에 론칭한 예술 창작을 기반으로 하 는 패션 브랜드다.

예술 창작을 기반으로 한다니, 디자이너 박문수의 히스토리가 궁금하다. 샌프란시스코에서 패션 학교를 다니다 자유를 찾아 베를린으로 떠났었다. 베를린에서는 철학과 예술에 빠져 지냈다. 이후 한국으로 돌아와 군 복무를 마치고 파리와 뉴욕 등으로 긴 여행을 떠났는 데, 그곳에서 내가 좋아하는 걸 상업적으로 풀어낼 방법을 고민해보니 결국 패션을 떠올리게 되더라. 여행을 하며 틈틈이 빈티지 옷 위에 그림을 그려 판매했고, 이 를 계기로 ‘더 뮤지엄 비지터’를 론칭했다.

예술가를 꿈꾸다 패션으로 돌아온 이유가 무엇인가? 돈을 벌기 위해서 패션을 선택했다. 현실적인 이유다. 그리고 패션도 예술이 될 수 있다고 생각한다.

콜라주나 페인팅 등 아티스틱한 프린트가 눈에 많이 띈다. 모두 직접 작업한 건가? 새 시즌 프린트에 대해 설명을 부탁한다. 맞다. 모두 내가 직접 그리거나 찍은 사진을 이용한다. 2020 F/W 시즌에는 대부분의 아이 템에 모두 새로 작업한 이미지를 적용했고, 아이패드를 이용해 그림을 그렸다.

새 컬렉션의 키 아이템을 꼽는다면? 순수한 창작이 브랜드를 관통하는 철학이며 시즌 키워드다. 생화를 이용해 만든 액세서리를 주렁주렁 단 맥 코트. 생화를 이용한 점이 마음에 든다. 룩 북도 직접 기획하고 촬영한 것이라고 들었다. 프로와 아마추어 모델 20명을 섭외해 그들 사이에 흐르는 미묘한 기류를 포착했다. 나체의 순수함을 담고 싶어 꼭 필요한 옷만 입고 촬영하기도 했다. 이런 이미지들이 상업적이진 않지만, 브랜드가 추구하는 순수한 창작은 표현할 수 있을 테니까.

룩 북도 직접 기획하고 촬영한 것이라고 들었다. 프로와 아마추어 모델 20명을 섭외해 그들 사이에 흐르 는 미묘한 기류를 포착했다. 나체의 순수함을 담고 싶어 꼭 필요한 옷만 입고 촬영하기도 했다. 이런 이미지들이 상업적이진 않지만, 브랜드가 추구하는 순수한 창작은 표현할 수 있을 테니까.

더 뮤지엄 비지터의 다음 행보가 궁금하다. 지금보다 더 창의적인 컬렉션을 만들고 싶다. 새로운 것이 결국 상업적인 것이라고 생각한다.

2020 F/W 패션위크 다이어리 – 런던

LONDON CLASSIC BURBERRY

런던 패션위크에서 빼놓을 수 없는 버버리의 2020 F/W 컬렉션은 한마디로 런던 그 자체다. 크리에이티브 디렉터 리카르도 티시가 처음 디자인을 공부하던 런던을 향한 노스탤지어를 영감의 원천으로 삼은 것. 그 결과 한눈에도 브랜드의 아이덴티티가 확연히 느껴지는 클래식한 컬렉션이 완성됐다. 버버리 컬렉션으로 해외 컬렉션에 데뷔한 한국 모델 김도연의 워킹 또한 핫 이슈였다. 지지 하디드, 켄달 제너, 최소라 등 톱 모델 사이에 당당히 자리한 모습을 보니 뿌듯하고 자랑스러웠다.

 

MM6 × THE NORTH FACE

백스테이지부터 런웨이까지 모든 과정을 자유롭게 둘러볼 수 있는 컬렉션 쇼를 기획한 MM6. 눈앞에서 생생하게 모델들을 지켜볼 수 있는 새로운 형식을 시도해 관객에게 호평받았다. 또 쇼에 앞서 예고한 대로 노스페이스와 협업한 아이템을 최초로 선보였다. 노스페이스의 스테디셀러 디자인을 유지한 채 MM6만의 스타일로 변신한 이번 컬렉션은 SNS에서 화제를 모으며 9월 정식 출시를 기대하게 했다.

 

TOMMY IN LONDON

타미 힐피거는 2020 S/S 시즌까지 일곱 번에 걸쳐 전 세계를 돌며 컬렉션 쇼를 진행했다. 이번 시즌 컬렉션을 선보이기 위해 선정한 장소는 런던의 테이트 모던 미술관. FIA 포뮬러 원 월드 챔피언십(F1) 세계 챔피언 루이스 해밀턴과 함께한 이번 컬렉션은 타미 힐피거의 시그니처인 아메리칸 스타일에 해밀턴의 스트리트 웨어를 더한 스타일을 선보였다. 특히 이번 컬렉션 쇼에는 SF9의 로운이 참석해 눈길을 끌었다. 온몸이 들썩이는 신나는 공연과 리듬에 몸을 맡기고 춤추는 듯한 모델들의 워킹으로 지루할 틈 없이 흥겨운 쇼가 이어졌다.

 

GOD SAVE THE QUINN

패션 저널리스트 사라 무어가 쇼 노트에 마지막 문장으로 ‘God Save the Quinn’이라고 쓴 사실만 봐도 영국이 얼마나 리차드 퀸을 지지하는지 느껴지지 않는가. 그가 데뷔 직후부터 매 시즌 선보이는 화려한 드레스들은 ‘런던 쿠튀르’라고 불리며 그를 주목해야 할 런던의 디자이너로 알렸다. 리차드 퀸의 2020 F/W 컬렉션 역시 사람들의 기대에 부응하듯 파격적인 프린트와 눈부신 비즈 장식 드레스로 관객의 혼을 쏙 빼놨다. 게다가 런던 패션위크에서 손꼽히는 큰 규모의 무대를 선보여 단기간에 존재감 강한 브랜드로 성장한 모습을 보여줬다.

 

ECO-FRIENDLY EVENTS

런던 패션위크 초미의 관심사는 이번에도 지속 가능한 패션이었다. 이번 시즌 많은 디자이너가 환경보호를 염두에 두고 컬렉션을 제작했는데 그중 멀버리, 비비안 웨스트우드, 인터내셔널 울마크 프라이스의 이벤트가 특히 인상 깊었다. 멀버리는 공정하게 생산한 원자재로 제품을 만드는 과정을 공개하는 메이드 투 래스트(Made To Last) 프레젠테이션을 펼쳤고, 비비안 웨스트우드는 친환경 소재를 활용한 제품을 소개하며 환경보호를 촉구하는 목소리를 내는 전시를 마련했다. 인터내셔널 울마크 프라이스에서 오가닉 100% 울 패브릭과 환경을 생각한 아조 프리(Azo Free) 염색 공법을 사용해 우승을 차지한 리처드 말론의 컬렉션 또한 주목을 끌었다.

2020 F/W 패션위크 다이어리 – 뉴욕

DANCE WITH MARC

마크 제이콥스의 쇼를 앞두면 항상 초긴장 상태다. 뉴욕 패션위크의 마지막 스케줄로 자리 잡고 있는 데다 때로는 단 1분도 지체 없이 쇼장 문을 닫고, 뭔가 심상치 않은 광경을 마주하게 될 거라는 기대가 있기 때문이다. 마크 제이콥스는 이번에도 역시 기대를 저버리지 않았다. 쾅 하는 소리와 함께 쇼가 시작되고, 전설적인 안무가 캐럴 아미티지가 이끄는 무대 위로 무용수들이 모델들과 함께 쏟아져 나와 춤사위를 펼쳤으니! 관전 포인트는 또 있었다. 디자이너와 절친한 마일리 사이러스가 모델로 런웨이에 선 것. 무엇보다 1960년대의 아이콘과 1990년대 마크 제이콥스의 전성기가 떠오르는 룩으로 채운 컬렉션은 보는 내내 심장을 사정없이 두근거리게 했다. 쇼의 묘미를 간파한 마크 제이콥스가 선사한 짜릿한 순간이었다.

 

SING TOGETHER

쇼 내내 흐르는 음악은 현장의 분위기를 좌우할 만큼 중요한 요소다. 그래서 몇몇 디자이너는 컬렉션과 더불어 라이브 공연으로 자신의 생각을 더욱 강렬하게 전하려고 한다. 토리 버치 쇼에서는 앨리스 스미스가 관중 사이에 앉아 감미로운 노래로 쇼장을 채웠고, 마이클 코어스는 시즌 키워드인 ‘편안한 화려함’을 대변하기 위해 한적한 시골집으로 꾸민 무대를 배경으로 오빌 펙이 들려주는 컨트리음악으로 흥을 돋웠다. 코치 1941 쇼에서는 록 밴드 더 코트 행어가 1970년대를 주름잡던 밴드 블론디의 곡을 연주했는데, 피날레에 일흔 살이 넘은 블론디의 보컬 데비 해리가 비밀리에 등장해 박수를 이끌어냈다. 두말할 것 없이 눈도 귀도 즐거운 쇼였다.

 

NEW COUTURE

뉴욕이 배출한 신진 쿠튀리에를 소개한다. 에리어를 이끄는 디자이너 듀오와 크리스토퍼 존 로저스가 그 주인공. 에리어는 아프리카 센터와 함께 개발한 소재, 프랜시스 포드 코폴라의 영화 <드라큘라>의 룩을 오마주한 가죽 제품 등 수많은 아이디어를 융합해 하나의 컬렉션으로 소개했다. 특히 피날레를 장식한 창의적인 하트 실루엣 드레스 시리즈는 시선을 강탈하기에 충분했다. 한편 쇼를 선보인 지 단 세 번 만에 스타가 된 스물여섯 살의 크리스토퍼 존 로저스 역시 파격적인 룩을 제안했다. “나는 소수를 위해, 오랫동안 지속될 컬렉션을 만든다”라고 전한 디자이너는 자신의 시그니처인 딸기가 연상되는 실루엣의 풍성한 드레스를 한층 다양하게 선보였다. 이 두 컬렉션은 뉴욕에서도 패션 판타지를 이토록 충만하게 즐길 수 있다는 사실을 증명했다.

 

지구를 지켜라!

지속 가능한 패션에 대한 소신을 적극적으로, 또 남다르게 설파한 두 컬렉션을 소개한다. 에카우스 라타는 리세일 사이트인 더리얼리얼과 손잡고 컬렉션 룩의 모든 신발을 제공받았다. 한마디로 중고 신발이 쇼에 올랐다는 이야기. 디자이너 듀오는 지속 가능성이 자신들의 머릿속을 지배했고, 에카우스 라타 컬렉션이 최대한 긴 생명력을 갖게 하는 데 집중했다고 전했다. 콜리나 스트라다는 더욱 직접적이고 경쾌한 방법을 택했다. 환경과 관련한 메시지를 낭송하며 쇼의 시작을 알리고, 컬렉션을 대부분 리사이클링 원단으로 제작한 것. 작은 정원을 닮은 신발이나 아름다운 자연물을 프린트한 룩을 선보이고, 임신부와 아이, 예술가 등 콜리나 스트라다의 생각을 지지하는 여러 인물이 모델로 등장하는 등 여러 방법으로 유쾌하고 사랑스럽게 지구를 지키자는 메시지를 전했다.

 

STAR WARS

미국패션디자이너협회(CFDA) 회장인 톰 포드가 뉴욕을 뒤로한 채 LA로 향한 결정을 두고 의견이 분분했지만, 어째든 그는 새 컬렉션을 소개하기 위해 떠났다. 이유인즉 쇼 며칠 뒤 미국 아카데미 시상식이 LA에서 열리기 때문. 아닌 게 아니라 쇼에는 제니퍼 로페즈, 르네 젤위거, 마일리 사이러스, 제이슨 모모아 등 웬만한 시상식 못지않게 수많은 스타들이 참석했으니 그의 의도는 적중한 셈! 스타들은 프런트 로에서 톰 포드가 정의하는 관능적인 아름다움에 매료된 채 두 눈을 반짝였다. 시상식에서 또 한 번 이슈를 만들고자 한 그의 의도는 온통 거울 조각으로 장식한 톰 포드 드레스를 입고 아카데미 시상식 레드 카펫에 선 제니퍼 로페즈를 통해 성공적으로 결실을 맺었다.