40년 전 패션의 흐름을 바꾼 여섯 개의 이름. 벨기에 MoMu 미술관에서 열린 ‘The Antwerp Six’ 전시는 그들의 시작과 현재를 하나의 장면으로 연결합니다.
패션의 좌표를 바꾼 여섯 개의 이름
앤트워프를 세계 패션 지도의 중심으로 끌어올린 이름들, 바로 ‘앤트워프 식스’를 조명하는 전시 <The Antwerp Six>가 MoMu 패션 뮤지엄 앤트워프에서 막을 올렸습니다. 1986년 국제 무대에 등장하며 글로벌 패션 지형에 선명한 전환점을 만든 여섯 명의 디자이너를 한자리에서 조명하는 전시인데요. 앤트워프는 패션을 이야기할 때 빼놓을 수 없는 도시지만 처음부터 지금과 같은 위상을 지녔던 것은 아니었습니다.
1980년대 초, 앤트워프 왕립예술학교(Royal Academy of Fine Arts Antwerp)에서 함께 공부한 여섯 명의 디자이너가 런던으로 향하며 상황이 달라졌죠. 드리스 반 노튼(Dries Van Noten), 앤 드뮐미스터(Ann Demeulemeester), 월터 반 베이렌동크 (Walter Van Beirendonck), 디르크 비켐베르크 (Dirk Bikkembergs), 더크 반 세인(Dirk Van Saene), 마리나 이(Marina Yee). 서로 다른 개성과 디자인 세계를 가진 이 여섯 명의 디자이너는 각자의 방식으로 국제적인 주목을 끌어내는데요. 이들이 바로 ‘앤트워프 식스’입니다.
이번 전시는 하나의 흐름 안에서 여섯 디자이너 각자의 언어가 어떻게 분화되고 확장됐는지를 입체적으로 보여주죠. 서로 다른 방향으로 뻗어 나가면서도 동일한 출발점을 공유하는 이들의 궤적은 글로벌 패션 지형을 뒤바꾸는 전환점이 되었습니다.
오프닝, 다시 만난 시간
금요일 밤 MoMu에서 열린 VIP 오프닝에서는 프라다 공동 크리에이티브 디렉터 라프 시몬스(Raf Simons), 베르사체의 새로운 크리에이티브 디렉터 피터 뮐리에(Pieter Mulier), 모자 디자이너로 유명한 스티븐 존스(Stephen Jones) 등 패션계 주요 인사들이 한자리에 모였습니다. 오래된 동료들이 반갑게 인사를 나누고 각자의 시간을 공유하는 순간들이 이어졌는데요. 특히 앤 드뮐미스터가 과거 수상했던 ‘골든 스핀들’을 가리키며 이야기를 건네는 장면은 인상적이죠.
각자의 방식으로 확장된 세계
앤트워프 식스로 불리는 여섯 명의 디자이너가 만들어낸 세계는 결코 하나의 스타일로 묶이지 않습니다. 하지만 오히려 그 차이가 이 그룹을 더 강하게 만들죠.
우선 색과 텍스타일을 통해 감정을 구축하는 디자이너 드리스 반 노튼이 대표적인데요. 그는 익숙한 요소를 낯설게 조합하며, 보는 이에게 미묘한 변화를 만들어내죠. 최근에는 자신의 문화 재단을 통해 또 다른 방식의 확장을 이어가고 있습니다.
앤 드뮐미스터는 1985년 크리에이티브 파트너 패트릭 로빈(Patrick Robyn)과 함께 자신의 패션 하우스를 설립했습니다. 블랙과 화이트, 비대칭 구조, 흐르는 듯한 실루엣을 통해 감각적인 긴장감을 만들어내죠. 옷을 통해 내면을 들여다보는 태도는 여전히 많은 디자이너에게 영향을 주고 있습니다.
패션을 사회적 메시지의 매개로 사용한 월터 반 베이렌동크. 그는 성, 환경, 정치적 이슈까지, 패션이 다루기 어려웠던 주제들을 과감하게 끌어왔죠. 그의 컬렉션은 언제나 유머와 급진성이 동시에 존재합니다.
더크 반 세인은 보다 유희적인 접근을 보여줍니다. 초현실주의적 트롱프뢰유 요소와 유머, 아이러니 그리고 장인정신이 결합된 그의 작업은 패션이 얼마나 자유로운 표현 방식이 될 수 있는지를 보여줍니다.
‘옷을 만드는 예술가’라는 개념을 가장 직접적으로 보여준 인물로는 마리나 이가 있죠. 1990년에는 패션계를 떠나 다양한 예술 영역을 넘나들며 작업을 이어왔고, 다시 돌아온 이후에도 다양한 예술 분야를 탐구하며 활동의 영역을 확장해 나가고 있습니다.
남성 슈즈 브랜드로 커리어를 시작한 디르크 비켐베르크는 스포츠와 신체를 중심으로 패션의 기능을 확장했습니다. 견고한 소재와 실용성을 기반으로 한 그의 디자인은 이후 스포츠웨어와 패션의 경계를 흐리는 흐름으로 이어졌죠.
전시가 보여주는 것
이번 전시는 단순한 회고가 아닙니다. 과거의 기록을 현재의 시선으로 다시 읽어내는 작업에 가깝죠. 벽면을 채운 아카이브 이미지와 드로잉, 컬렉션 피스, 영상 자료까지. 각각의 요소가 하나의 흐름으로 이어지며 앤트워프 식스의 시너지와 지금까지 이어져 온 각자의 여정을 세밀하게 드러냅니다. 특히 흑백 초상 이미지로 구성된 공간은 이들의 정체성을 상징적으로 보여주는 장면이죠. 강한 대비와 조명, 그리고 얼굴에 집중된 시선. 디자이너라는 존재 자체를 하나의 이미지로 환원하는 방식이 인상적으로 다가옵니다. 또 다른 공간에서는 실제 의상들이 전시되어 있는데요. 어둡게 연출된 공간 속 블랙 톤의 룩들이 이어지며 각 디자이너의 서로 다른 디자인 언어가 더욱 선명하게 드러납니다.
전시로 다시 보는 앤트워프 식스
이 전시가 지금 시점에서 의미를 갖는 이유는 분명합니다. 패션이 빠르게 소비되고 잊히는 시대일수록 그 출발점을 돌아보는 일이 중요해지기 때문이죠. 앤트워프 식스는 특정 스타일이 아닌 ‘자기만의 언어를 구축하는 방식’을 남겼고, 그것은 오늘날까지 이어지며 새로운 세대의 디자이너들에게 여전히 유효한 기준이자 출발점으로 작동하고 있습니다.
MoMu에서 펼쳐진 이번 전시는 그들이 만들어 온 시간과 현재를 자연스럽게 연결합니다. 그리고 그 사이에서 관객은 지금의 패션이 어디에서 출발했고, 어디로 향하고 있는지에 대해 생각하게 되죠. 그 흐름의 끝에서 패션의 다음 장면을 향한 시선이 자연스럽게 이어집니다.
