키스 해링과 만난 루이 비통 2027 크루즈 쇼가 보여준 예술적 연결

뉴욕에서 펼쳐진 루이 비통 2027 크루즈 쇼. 니콜라 제스키에르의 디자인과 키스 해링의 예술이 만나 뉴욕의 다채로운 문화적 유산이 되살아났다. 파리의 장인정신과 뉴욕의 팝 컬처, 과거의 유산과 미래적 감각이 패션의 언어로 치환된 순간, 패션은 서로 다른 세계를 연결하며 그 가능성을 확장했다.

뉴욕과 파리, 두 개의 도시가 만난 순간

뉴욕은 다채로운 얼굴을 지닌 도시다. 일상의 익숙한 풍경 속에서도 새로운 감각을 발견하게 하고, 서로 다른 문화와 취향이 마주치는 순간 예상하지 못한 영감을 선사한다. 루이 비통 2027 크루즈 컬렉션을 위해 뉴욕을 찾으며 기대한 것 역시 새로운 문화적 영감이었다. 뉴욕이라는 메트로폴리탄 시티가 품은 문화를 어떻게 새로운 감각으로 풀어 놓을까. 루이 비통이 뉴욕에서 크루즈 컬렉션을 선보인 건 2019년 존 F. 케네디 국제공항 터미널에서 열린 쇼 이후 오랜만이다. 2019년 당시 제스키에르가 뉴욕 공항 터미널의 미래적 건축물을 무대로 삼았다면, 이번에는 뉴욕의 예술적 유산이 깊이 배어 있는 프릭 컬렉션을 쇼 베뉴로 선택했다. 그의 시선이 미래를 향한 건축적 상상력에서 역사의 층위가 고스란히 남은 미술관으로 향하며 어떤 메시지를 던질까.

그 기대감을 품은 여정은 센트럴파크 인근에 자리한 프릭 컬렉션(The Frick Collection)에서 시작됐다. 지난 5월 20일, 루이 비통 여성복 크리에이티브 디렉터 니콜라 제스키에르(Nicolas Ghesquière)가 2027 크루즈 컬렉션을 공개한 곳이자 유럽의 회화와 조각, 정교한 장식미술, 세월의 흔적을 간직한 가구가 한데 어우러진 프릭 컬렉션, 그 오래된 저택의 문을 지나며 가장 먼저 든 생각은 프릭 컬렉션에서 패션쇼가 열린다는 사실 자체가 이미 매혹적인 정반합의 시너지라는 것이었다. 나아가 이번 크루즈 쇼의 타이틀은 ‘메트로폴리탄 라이프, 두 개의 도시(Metropolitan Life, Two Cities)’. 두 개의 도시는 파리와 뉴욕을 가리키는 동시에, 하나의 도시 안에 공존하는 서로 다른 세계를 의미한다. 업타운과 다운타운, 과거와 미래, 정제된 우아함과 거리의 자유로움 등 서로 반대편에 놓인 감각들이 충돌하는 동시에 조화를 이루는 뉴욕에서 제스키에르는 그 간극을 매혹적으로 바라보았다. 고전적인 예술 작품과 현재성을 띤 패션은 과연 어떤 대화를 나눌 수 있을까. 서로 다른 시대, 다른 도시의 미감이 서로 만나면 어떠한 장면이 탄생할지 기대감을 높였다.

문화를 잇는 루이 비통

쇼를 앞두고 루이 비통 회장 겸 최고경영자 피에트로 베카리(Pietro Beccari)가 전한 메시지는 이번 만남의 의미를 더욱 분명하게 했다. 베카리는 뉴욕에서 니콜라 제스키에르가 이끄는 크루즈 컬렉션을 선보이게 된 기쁨을 전하며, 프릭 컬렉션과 문화 후원 파트너십을 맺은 사실을 발표했다. 루이 비통은 프릭 컬렉션의 주요 문화 후원사(Principal Cultural Sponsor)로서 앞으로 3년간 특별 전시와 갤러리 프로그램 운영, 미술사 연구 등을 후원한다. 또한 관람객들이 미술관을 보다 친근하게 경험할 수 있도록 매월 첫 번째 금요일에 무료로 작품을 감상할 수 있는 ‘루이 비통 퍼스트 프라이데이(Louis Vuitton First Fridays)’ 프로그램에도 참여한다. 이 소식을 듣고 나니 이번 쇼가 왜 역사적인 공간을 선택했는지 조금 더 선명하게 이해할 수 있었다. 그가 강조한 것은 단지 특별한 장소에서 컬렉션을 선보이는 일이 아니었다. 베카리는 크루즈 쇼가 브랜드의 문화와 유산에 대한 지속적 헌신을 보여주는 순간이라고 설명했다.

그는 특별한 장소에서 컬렉션을 선보여온 제스키에르의 비전이 패션과 건축, 문화 사이에 더 깊은 관계를 만들어내며, 프릭 컬렉션 후원이 예술에 대한 브랜드의 관심을 강화하는 동시에 루이 비통의 이야기 안에 중요한 일부로 자리 잡게 한다는 견고한 메시지를 전했다. 문화적 헌신을 바탕으로 한 루이 비통과 프릭 컬렉션의 문화적 파트너십, 그리고 그 경험을 함께 나누고자 하는 그의 메시지에 ‘연결’이라는 단어가 떠올랐다. 루이 비통이 패션과 예술, 건축과 문화의 관계를 잇는 노력을 기울인다면, 다시 말해 특별한 미술관에서 패션쇼를 여는 일을 넘어 브랜드가 그 공간과 지속적으로 관계를 맺고, 예술을 경험할 기회를 넓히며, 문화 기관이 이어갈 다음 시간을 함께한다면 그 의미는 한층 깊어질 것이다. 하루 동안의 화려한 이벤트를 넘어 문화가 지속될 수 있도록 힘을 보태는 일. 패션과 예술의 만남이 컬렉션에 영감을 주는 데서 출발해 실제적 관계로 확장되는 가치 있는 선례다.

제스키에르가 바라보는 뉴욕의 에너지

제스키에르는 한 미디어와 인터뷰하며 뉴욕을 이렇게 표현했다. “저는 늘 뉴욕을 사랑했습니다. 도시 안으로 들어서 그 에너지를 느끼는 순간을 좋아해요. 특히 외부인의 시선, 프랑스인의 시선으로 바라보는 뉴욕은 언제나 특별합니다.” 그의 말에 공감하게 되는 이유는 뉴욕이 서로 다른 것이 함께 공존하며 존재하는 방식을 끊임없이 보여주기 때문이다. 오래된 건축물 옆으로 새로운 건물이 들어서고, 고급스러운 갤러리와 거리의 그래피티가 각자의 언어로 공존하는 도시 뉴욕. 프랑스에서 출발한 디자이너의 시선으로 뉴욕을 바라보는 일은 결국 자신의 문화적 배경을 통해 낯선 세계를 다시 발견하는 과정이 아닐까.

프릭 컬렉션을 선택한 이유 역시 이와 맞닿아 있다. 제스키에르는 “프릭은 제가 오랫동안 마음에 두고 있던 장소였습니다. 그곳의 윈터 가든과 분수는 뉴욕의 도금 시대를 떠올리게 하는 상징적 장면이죠”라고 말했다. 19세기 말에서 20세기 초 미국의 부와 화려함이 응축된 도금 시대의 흔적은 프릭 컬렉션 곳곳에 남아 있다. 이곳의 고전적인 장식과 예술 작품은 오늘을 살아가는 이들에게 영감을 주며 프릭 컬렉션을 살아 있는 공간으로 만든다.

크루즈 컬렉션이 지닌 자유로운 성격도 이 공간과 잘 어울린다. 제스키에르는 크루즈 컬렉션의 매력을 다양한 계절과 소재를 유연하게 섞을 수 있다는 점에서 찾았다. “여름과 겨울의 옷을 함께 구성한다는 점에서 흥미롭습니다. 서로 다른 계절을 섞고, 소재와 감각을 조합할 수 있다는 점이 매력적입니다.” 나아가 크루즈 컬렉션은 루이 비통에 깃든 ‘여행의 정신’을 가장 잘 반영한다. 한 계절의 옷차림을 제안하기보다 서로 다른 기후와 생활 방식, 취향을 하나의 옷장 안에 담아내는 것. 이번 컬렉션에서 가벼운 저지와 견고한 가죽, 스포티한 아이템과 쿠튀르적 터치가 한데 어우러진 이유이기도 하다. 이처럼 익숙한 세계를 이전과 다른 시선으로 바라보게 하는 여행의 정신이 프릭 컬렉션의 공간적 매력과 맞닿아있다.

음악이 일깨운 문화적 에너지

패션쇼는 옷의 형태와 질감뿐 아니라 조명, 공간, 그리고 음악이 한데 어우러지며 동시대적 생명력을 얻는다. 쇼가 시작되기 직전, 프릭 컬렉션의 고풍스러운 분위기는 잠시 숨을 고르는 듯했다. 이윽고 음악이 흐르고 모델들이 등장하자 순간 현장의 공기가 달라졌다. 오래된 저택의 우아함에 뉴욕 다운타운의 자유로운 에너지가 스며들었다. 정교한 장식과 회화가 자리한 공간에서 펼쳐진 런웨이는 음악을 통해 새로운 긴장감을 빚어냈고, 서로 어울리지 않을 것 같은 두 세계가 만났을 때 비로소 이번 컬렉션만의 리듬이 완성됐다.

공식 쇼 영상의 사운드트랙 크레디트에는 피치스(Peaches)의 ‘Boys Wanna Be Her’와 ‘Back It Up, Boys’, 테프르(Tepr)의 ‘Uptown Lights’, 대니얼 펨버턴(Daniel Pemberton)의 ‘Box in a Box’가 리스트업 되었다. 특히 피치스의 도발적인 음악은 고전적인 미술관 안에서 펼쳐진 런웨이에 대담하고 반항적인 애티튜드를 더했다. 강렬한 비트가 옷의 움직임을 더욱 또렷하게 만들고, 모델들의 걸음은 더욱 경쾌하게 느껴졌다. 음악과 옷이 만든 대비는 이번 쇼가 추구하는 미학과도 맞닿아 있다. 오래된 저택의 우아함에 자유분방한 기운을 더하고, 고전적인 공간에 팝 문화의 감각을 불어넣은 것. 모델들이 지나갈 때마다 정교한 테일러링과 대담한 컬러, 풍성한 소재가 시선을 끌며 패션의 리듬감을 느끼게 했다. 이처럼 프릭 컬렉션은 예술을 조용히 감상하는 갤러리를 넘어 동시대의 감각이 새롭게 전해지는 무대가 되었다.

익숙한 옷에 깃든 낯선 감각

블루진과 저지, 가죽처럼 익숙한 소재를 중심으로 구조적인 테일러링과 날카로운 칼라, 높게 세운 어깨선이 더해지면서 일상의 옷차림은 한층 조각적인 실루엣으로 변모했다. 익숙한 소재를 낯설게 바라보고, 평범한 옷에 새로운 비례와 움직임을 부여한 것이다. 첫 번째 룩의 데님 셋업에 더해진 강렬한 지브라 패턴 벨트는 익숙한 아이템에 그래픽적 긴장감을 부여했다. 뉴요커의 자유로운 옷차림을 연상시키는 데님은 루이 비통의 정교한 제작 기술을 만나 새로운 차원으로 올라섰다. 이어서 몸의 선을 또렷하게 잡아주는 재킷과 풍성한 소매, 허리에 느슨하게 묶은 오버올, 트롱프뢰유 기법을 활용한 디자인. 보머 재킷과 복싱 쇼츠처럼 스포티한 조합은 컬렉션에 역동성을 불어넣고, 층층의 러플과 미니 케이프, 모자 같은 요소는 고전적인 우아함을 환기하면서도 유쾌하게 느껴졌다.

무엇보다 이번 쇼는 익숙한 옷을 새롭게 입는 태도를 보여주며, 패션이 더 이상 특정한 TPO를 따르는 드레스 코드에 맞추기 위한 도구가 아니라는 메시지를 강하게 전하는 듯했다. 서로 다른 스타일을 조합하거나 전혀 다른 시대의 분위기를 한 룩 안에 담아내고, 자신만의 방식으로 변주하는 표현 수단으로서 패션을 보여주면서. 미국의 자유로운 에너지에 프랑스의 정교한 장인정신이 더해지며 일상과 럭셔리는 그 경계를 자연스레 허물었다.

색채 역시 이 자유로운 분위기를 한층 강렬하게 했다. 깊이 있는 뉴트럴 컬러 사이로 강렬한 레드와 반짝이는 이리데슨트 핑크가 등장하고, 패치워크와 그래픽적 디테일이 더해졌다. 고전적인 장식미술에서 발견할 수 있는 섬세한 장식이 현대적 소재와 형태를 만나면서 동시대적으로 구현되기도 했다. 특히 정교한 재단과 스포티한 아이템, 장식적 디테일과 그래픽적 색채가 한데 어우러진 모습은 뉴욕이라는 도시를 오롯이 반영하며, 서로 어울리지 않을 것 같은 요소가 한 룩 안에서 균형을 이루고 그 차이가 오히려 개성을 만들어냈다. 업타운의 세련됨과 다운타운의 자유로움을 하나의 옷장 안에 담아내려는 제스키에르의 노력이 실루엣과 색채로 구현된 순간이었다.

키스 해링의 현재적 유산

이번 컬렉션에서 특히 흥미로운 점은 미국의 아티스트 키스 해링(Keith Haring)과의 연결이다. 그 출발점은 루이 비통 아카이브에서 발견한 1930년대 가죽 여행용 트렁크였다. 해링은 과거 이 트렁크를 캔버스처럼 활용해 자신만의 언어를 더했다. 여행과 이동의 역사를 품은 오브제가 예술가의 손을 거쳐 새로운 의미를 얻었고, 이번 시즌에는 그 우연한 만남이 컬렉션의 중요한 영감으로 되살아났다.

키스 해링(1958~1990)은 생전에 자신의 재능과 자원을 아낌없이 나누며 다양한 사회적 활동에 참여했다고 한다. 어린이를 위한 미술 워크숍을 진행하고, 공공서비스 기관을 위한 로고와 포스터를 제작했으며, 보건 센터와 소외된 지역사회를 지원하기 위해 벽화와 조각, 회화를 선보였다. 1989년에는 자신의 자선 활동과 나눔의 정신이 지속적으로 이어질 수 있도록 키스 해링 재단을 설립했다. 재단의 보조금 지원은 소외된 아동의 삶을 풍요롭게 하는 일, 그리고 에이즈 교육과 예방, 돌봄을 제공하는 일에 집중된다. 이러한 라이선스 사업을 통해 발생하는 수익 역시 보조금 사업과 재단의 기타 자선 활동에 사용한다고 한다.

예술을 더 많은 사람에게 닿게 하고, 자신의 재능을 사회와 나누며, 작품이 미술관 안에만 머무르지 않도록 했던 해링의 태도는 이번 컬렉션을 바라보는 시선을 확장했다. 특히 어린이를 위한 미술 교육과 소외된 지역사회를 지원하는 활동을 이어왔다는 점이 마음에 남았다. 예술이 특별한 사람만을 위한 언어가 아니라 누구나 접근하고 경험할 수 있는 것이기를 바란 아티스트의 생각은 그의 작품에 담긴 단순하고 힘 있는 선과 대중적 이미지에서도 읽을 수 있다. 패션 역시 예술을 일상으로 가져오는 강력한 매개체가 될 수 있기에 그 창조적 교류가 더욱 의미 있게 다가왔다.

프런트 로에서 만난 다채로움

쇼가 열리기 전, 프릭 컬렉션에는 패션과 영화, 예술을 넘나드는 인물들이 모여들었다. 젠데이아, 앤 해서웨이, 에마 스톤, 에밀리 블런트, 케이트 블란쳇, 제니퍼 코넬리, 알리시아 비칸데르 등 저마다 뚜렷한 이미지와 개성을 지닌 인물들이 한자리에 모였고, 그 풍경은 고전적인 미술관을 동시대적 문화 예술 교류의 장으로 바꿔놓았다. 젠데이아는 건축적 네크라인과 벨 슬리브가 돋보이는 실버 미니드레스로 시선을 끌었다. 앤 해서웨이는 케이프를 더한 그레이 드레스와 미니 백으로, 에마 스톤은 편안한 니트웨어를 중심으로 한 스타일을 선보였다. 제니퍼 코넬리의 가죽 디테일을 더한 모헤어 크롭 스웨터와 자수 장식 미니 스커트, 케이트 블란쳇의 하이넥 니트 베스트와 블랙 팬츠 역시 서로 다른 취향을 보여주는 선택이었다.

또 K-컬처의 영향력을 강렬하게 보여주는 앰배서더들, 즉 K-팝을 더욱 뜨겁게 견인하고 있는 스트레이 키즈의 필릭스와 정호연 배우의 참석도 눈길을 끌었다. 필릭스는 정제된 블랙 테일러링으로 특유의 강렬한 존재감을 드러냈고, 정호연은 구조적인 블랙 레더 재킷과 시어 톱, 브라운 벨벳 팬츠를 조합해 서로 다른 질감이 만들어내는 매력을 보여줬다. 이들 역시 루이 비통 제스키에르의 세계관이 담긴 룩을 각자의 스타일을 통해 개성 있게 드러냈다. 파리에서 출발한 브랜드가 뉴욕의 미술관에서 컬렉션을 선보이고, 한국의 아티스트들이 함께하며, 미국 팝 아티스트의 작품이 프랑스 럭셔리 메종을 통해 다시 생명을 이어가는 ‘연결’의 현장을 흥미롭게 목도할 수 있었다.

움직이는 캔버스

액세서리는 컬렉션의 세계관을 확장하는 또 하나의 장치다. 2027 크루즈 컬렉션에서 니콜라 제스키에르는 뉴욕의 상반된 매력과 예술적 에너지를 액세서리에 담았다. 고전적인 건축미와 생동감 넘치는 스트리트 문화, 업타운의 우아함과 다운타운의 자유분방함이 룩뿐만 아니라 백과 슈즈에도 깃들어 있었다. 쇼가 열린 프릭 컬렉션의 역사적 분위기는 이러한 영감을 구체화하는 배경이 됐다. 특히 눈길을 끈 것은 프릭 컬렉션 내부의 이오니아식 기둥에서 형태적 영감을 얻은 톱 핸들 백이다. 고전 건축의 기둥을 구조적인 가방으로 재해석해 쇼의 장소 자체를 하나의 패션 오브제로 전환한 것. 뉴욕의 일상에서 발견한 대상 역시 액세서리로 탈바꿈했다. 반짝이는 크리스털 장식으로 완성한 중국식 테이크아웃 용기 모양의 백과 바이닐 레코드를 본뜬 클러치 백은 도시의 대중문화와 일상적 풍경을 위트 있게 담아냈다. 여기에 모노그램 복싱 글러브와 키스 해링의 그래픽을 입힌 가방이 더해지며 컬렉션의 특별한 개성을 완성했다. 특히 키스 해링의 드로잉은 이번 컬렉션에서 중요한 예술적 출발점이다. 루이 비통 아카이브에서 발견한 1930년대 가죽 여행 트렁크에는 그가 남긴 드로잉이 담겨 있고, 이 특별한 오브제가 컬렉션의 첫인상을 완성했다. 키스 해링 특유의 자유로운 선과 강렬한 색채는 루이 비통의 헤리티지와 1980년대 뉴욕 아트 신을 연결하는 역할을 훌륭히 해냈다. 결국 이번 컬렉션의 액세서리는 단순한 장식품을 넘어 뉴욕이라는 도시의 건축과 예술, 일상과 하위문화를 담아낸 패션적 조형물이 되었다.

패션을 넘어 문화와 연결된 순간

이번 출장을 통해 패션이 예술, 더 나아가 문화와 연결되는 방식에 대해 많은 생각을 할 수 있었다. 프릭 컬렉션이 미국의 시선으로 프랑스 장식미술을 조명해온 공간이라면, 이번 크루즈 컬렉션은 프랑스의 장인정신을 통해 미국적 스타일을 새롭게 바라본다. 중요한 점은 각자의 정체성을 유지한 채 소통을 이어갔다는 부분이다. 정교한 제작 기술은 데님과 저지, 가죽처럼 현실적인 옷의 소재를 새로운 차원으로 끌어올리고, 대중문화의 상징은 고전적인 공간 안에서 신선한 동시대적 생명력을 얻었다. 이러한 시너지는 패션을 지속적으로 진화시키는 원동력이 된다.

루이 비통이 프릭 컬렉션과 맺은 3년간의 문화 파트너십 역시 이러한 의미 있는 대화를 일회성 이벤트에 머물지 않게 한다. 전시와 갤러리 프로그램, 연구 활동을 지원하고 관람객이 미술관을 경험할 기회를 넓히는 일은 브랜드가 문화 기관과 함께 할 수 있는 또 다른 문화적 연결의 방식이다. 쇼를 통해 장소의 아름다움을 보여주는 데에서 나아가 그 장소가 이어갈 미래의 시점에도 함께 나아가는 일. 이처럼 패션과 예술의 관계가 무르익는 순간의 진심은 이런 지속성에 기반한다고 믿는다.

마리끌레르는 오랫동안 패션을 넘어 예술과 문화, 동시대의 다양한 창작자들을 소개하고 후원해왔다. 내가 예술에 주목하는 이유 역시 작품을 감상하는 경험이 사람과 사람을 만나게 하고, 서로 다른 시선과 생각을 연결하는 포용의 힘을 지니기 때문이다. 이번 뉴욕에서의 경험은 그 믿음을 다시 한번 굳건하게 했다. 패션과 예술은 서로 다른 방식으로 세상을 바라보지만, 그 안에는 창작자들의 공통된 질문이 늘 자리한다. 우리가 익숙하게 여겨온 아름다움을 어떻게 생경하게 비틀어낼지, 지금의 감각은 어디에서 비롯되는지, 과거의 유산을 오늘의 미학으로 어떻게 이어갈 수 있을지 등 패션과 예술에서 그 창작의 고민은 매우 닮았다. 루이 비통은 이번 크루즈 컬렉션에서 고아한 프릭 컬렉션과 역동적인 스트리트 아트 신, 미국의 일상적 옷차림과 프랑스의 장인정신을 한데 모으며 그 질문을 이어간다. 서로 다른 시대와 문화가 만나는 지점에서 새로운 가능성을 발견하고, 간극이 새로운 아름다움을 낳고, 그 아름다움이 또 다른 대화의 출발점이 되어, 지역과 시대를 초월한 문화적 연결을 눈앞의 경험으로 바꾸는 일을 해낸 것이다.

여행은 한 장소에서 다른 장소로 가는 물리적 이동만을 의미하지 않는다. 익숙한 풍경을 낯설게 바라보고, 알지 못하던 감각을 발견하며, 이전과는 조금 다른 시선을 지닌 채 자신의 자리로 되돌아오는 과정이기도 하다. 뉴욕의 에너지와 프릭 컬렉션의 고전적 작품들이 어우러진 시간, 키스 해링의 그래픽과 루이 비통의 장인정신이 만난 이번 크루즈 컬렉션은 서로 다른 세계를 오가는 하나의 여정이었다. 나아가 패션이 단순히 룩과 액세서리를 보여주는 것을 넘어 새로운 세계로 안내하고 문화를 경험하게 해준다는 사실을 새삼 확인하게 해주었다.